9–11 апреля 2026 года в пространстве Креативный хаб прошла научная конференция «Теории и практики искусства и дизайна: социокультурные, экономические и политические контексты».
Вкратце пересказываем основные тезисы секций и круглых столов. Ознакомиться с выступлениями целиком можно в видеозаписях HSE DESIGN LAB: — запись от 9 апреля — запись от 10 апреля — запись от 11 апреля
Третий день конференции прошел в Музее-заповеднике Царицыно.
ДЕНЬ ПЕРВЫЙ
Конференция открылась секцией «Игровые миры и цифровая субъектность. Игра как медиасреда. Исследования игр», модераторами выступили Амир Абу Махади и Маро Маленко. Участники обсудили феномен возникновения новых форм искусства — документальных игр — и рассмотрели этические и эстетические аспекты, которые способны затронуть видеоигры.
Спикеры говорили о том, что игры функционально похожи на сны, являясь симуляцией угроз в повторяющихся паттернах. Используя достаточно простые раздражители, игра способна вызвать у человека сложную эмоциональную реакцию, заставляя (ничем на деле не рискуя) сомневаться в своих силах, переживать за цифровых персонажей и даже испытывать чувство вины за решения, которых игрок не принимал.
Одно из выступлений в рамках секции было посвящено правовому регулированию азартных игр. Докладчик рассказал, что азартная игра, с точки зрения закона, сочетает ставку, риск и выигрыш. Игра, в которой нет одного из этих факторов, азартной считаться не может: таковы, например, «колёса фортуны» в приложениях банка (нет ставки) или детские игровые автоматы (нет риска).
Все тезисы этой секции доступны в записи.
Следом прошла секция «Пространство как художественная форма: архитектура, звук и утопия» (модератор Яна Малиновская). В представленных докладах речь шла о взаимном проникновении искусства и науки в монументальном творчестве и наукоградах СССР, а также о трудностях брендинга таких территорий на фоне разрыва между интересами узкой прослойки учёных и остального населения.
Вместе с тем, было отмечено и негативное влияние брендинга, пускай даже качественного: он может фокусировать внимание людей на достоинствах города, скрывая недостатки, требующие вмешательства.
Ирина Сафонова, студентка магистратуры НИУ ВШЭ, привела примеры удачных коллабораций пространства и художника и подчеркнула, что арт-резиденция становится не просто «местом проживания» художника, а еще экосистемой образования и творчества.
Прослушать все выступления этой секции можно в записи по ссылке.
Ирина Сафонова: «Арт-резиденция — это временная среда, в которой автору предоставляются пространство, ресурсы и контекст для создания произведения».
В рамках секции Borders, Bodies, and Materials: Art as Archive, Exchange, and Resistance исследователи из Африки, Китая и России поделились своим взглядом на развитие современного искусства. Модерировал секцию студент Аспирантской школы по искусству и дизайну НИУ ВШЭ Агбенига Майова Джонсон. Особенно участники отметили следующие факторы:
— художники Африки воспринимают искусство как способ вести диалог с представителями других культур; — одним из крупных трендов последних лет является использование бытовых отходов в искусстве. Для некоторых авторов это одновременно и реакция на экологические проблемы и политическое заявление; — художники Африки и Азии во многом опираются на традиционные религиозные образы в новом прочтении и стилистике.
Далее прошла студенческая секция «Материальная культура, искусство и дизайн: формообразование и репрезентация» в онлайн-формате, ее модераторами выступили преподаватели Школы дизайна НИУ ВШЭ Екатерина Цховребадзе и Екатерина Забило. Бакалавры НИУ ВШЭ и других учебных заведений выступили с докладами об изменениях в эстетике, моде, инструментах искусства и отношениях куратор-автор-зритель-исследователь.
Конференция продолжилась секцией «Вестиментарные практики в современной культуре и моде: тело, идентичность и визуальная политика». Модерировали дискуссию Ася Аладжалова и Мария Суворова. Участники обсудили восприятие моды разными поколениями и отметили серьезную перемену в отношении к моде: если еще в СССР мода была подчинена утилитарности, а дефиле носили соревновательно-просветительский характер, то теперь показ стал светским, статусным и развлекательным мероприятием.
Но описанный тренд последних десятилетий запустил обратную тенденцию: молодые люди все больше обращаются к прошлому, к стилю ретро в одежде (и не только), пытаясь отыскать «спокойное место в эпоху турбулентности», привнести надежность и опору в свою жизнь и окружающее пространство.
«Одежда кодирует определенный стиль общения. Если на вас униформа, вас воспринимают как честного труженика. Но стоит эту униформу порвать, и с вами начнут обращаться противоположным образом».
Серию докладов разбавил партисипаторный мастер-класс «Чем может стать мусор?» от нигерийского художника и аспиранта Аспирантской школы дпо искусству и дизайну НИУ ВШЭ Агбениги Майовы Джонсона.
Под его руководством гости Хаба создали концептуальное коллективное произведение из журнальной и газетной бумаги, старых дипломов, листовок и плакатов.
Параллельно велась дискуссия о природе современного искусства: участники пришли к выводу, что «искусство» сегодня определяется не мастерством автора, а эффективностью его рекламы, что не умоляет достоинств художника. Главное в наше время — решили гости — это идея, заложенная в произведение.
После небольшого перерыва стартовал круглый стол: «Искусство плаката в пространстве исследовательских и дизайнерских практик». Модератором стала Анна Дубинина, художник-иллюстратор, студентка Школы дизайна НИУ ВШЭ.
На смену художнику-эстету — отметила Ирина Сахно, профессор Школы дизайна НИУ ВШЭ, — в XX веке пришел художник-ремесленник, вынужденный отвечать на запросы революционного времени, становиться агитатором.
Плакат — это набор кодов разных видов искусства, словесного и визуального. За счет удачного сочетания этих кодов плакат оказывал мощное влияние на зрителя, а высокие требования к смысловой нагрузке популяризировали визуальную метафору, игру с формой и объемом, графикой и каллиграфией.
Ирина Сахно: «Русский авангард начала XX века — это шествия с плакатами, потому что важнейшую роль стало играть слово».
Первый день конференции завершился круглым столом «Милота! Как домашние животные управляют нашими сердцами и мыслями». Модератором выступила Людмила Алябьева, академический директор Аспирантской школы по искусству и дизайну НИУ ВШЭ.
Образ главного домашнего животного — собаки — занимает ведущее место в визуальной культуре с глубокой древности. Начиная с эпохи Возрождения, животные в искусстве наделялись особенным символизмом, так что сегодня по собаке или кошке можно понять, с какой целью и при каких обстоятельствах была написана та или иная картина.
Особенно интересно, как человеческий мозг выделяет «милое»: таковыми нам кажутся существа (и даже предметы!), очертаниями напоминающие ребенка. Большая голова и глаза, маленькое тело способны сделать «милым» даже паука или лягушку, которые в нормальном состоянии пугают или вызывают отвращение — поделилась Анна Шепеленко, психолог, преподаватель НИУ ВШЭ.
Так, «милые» животные в зоопарках приносят в 46 раз больше пожертвований, а «милых» по пропорциям «бейби-схемы» кошек и собак забирают из приютов значительно чаще. Этим можно пользоваться, например, фотографируя животных под особым углом, чтобы исказить перспективу и повлиять на наше восприятие.
Анна Шепеленко: «Чем неприятнее эмоция, которую человек испытывает по отношению к животному на картинке, тем выше вероятность денежного пожертвования. Бездомные, больные животные получают больше, а вот их возраст ни на что не влияет».
Впрочем, исследования показали, что размер пожертвований определяется не только бейби-схемой. Важны эмоции, которые человек испытывает: если он, видя несчастное животное, чувствует печаль или гнев, вероятность пожертвований растет. При этом реальная финансовая обеспеченность испытуемых роли не играла, только субъективная «значимость» жертвуемой суммы.
Обратная картина получилась, когда испытуемым предлагали не жертвовать деньги, а забрать животное домой. Теперь позитивные эмоции давали положительную корреляцию.
Отдельно было отмечено влияние «милоты» на маркетинг: согласно опросам, сова-маскот сервиса Duolingo способна вызывать как умиление, так и тревогу, чувство вины при пропуске занятия. Это не единичный пример: около 80% детских приложений манипулируют пользователями через механики, а 25% приложений давят на пользователя через «милых» персонажей.
ДЕНЬ ВТОРОЙ
Второй день конференции открылся онлайн-дискуссией «Искусство после… искусство и дизайн в неустойчивом мире». Модератор: Светлана Холодова.
Участники пришли к выводу, что искусство и дизайн сегодня все меньше поддаются описанию через дефиниции стилей и направлений и линейную матрицу парадигм. На смену приходят ситуационные, контекстные и гибридные практики, существующие в режиме постпарадигмального проектирования.
Следом стартовала секция «Исторические и современные модели дизайна», модератором которой выступил Сергей Лушкин. Первым вопросом стало сохранение предметов дизайна в музеях: особо подчеркнули важность восстановления направлений, стилей и школ на практике, в физических предметах, а не только в теории.
Спикеры заметили, что искусство с 20 века ищет новые материалы для выражения идей и концепций: свое слово сказал и промышленный дизайн, и переоткрытие текстиля и стекла.
Интерес представляет также возрастающая роль Китая в мировом искусстве: долгосрочных коллабораций здесь становится все больше, а китайская философия и взгляд на вещи проникает и обогащает европейские школы.
В рамках секции «Технологические и интерактивные среды (интерфейсы, технологии, цифровая доступность)», которую модерировала Елена Гусева, мы поговорили о том, как цифровые технологии влияют на восприятие человека, и пришли к выводу, что машина не в силах заменить автора-художника, но может вытеснить его в сферу кураторства, сделать «надзирателем» и «планировщиком» произведений искусства.
По иному пути пошла архитектура: будучи во многом прикладной деятельностью, она без особого отторжения принимает и технологические инновации, и органические подходы. Именно в ней сегодня ярко проявляется био-инженерный подход: экспериментальные здания снабжаются не только механизмами, но и полезными организмами, растениями для очистки воздуха, мицелиевыми композитами и регенерирующим бетоном.
Смотрите полную запись беседы по ссылке.
Секция «Искусство соучастия: агентность, вовлеченность и коллективный опыт», модератором которой была Екатерина Забило, подняла тему роста вовлеченности зрителя в искусство, превращения его в соавтора и размывания роли автора до роли абстрактного куратора. Мы также обсудили неизбежность перехода протестного (в начале) искусства к массовости и монетизации. Спикеры отметили, что при определенных обстоятельствах искусство может перейти к постгуманистической стадии: стать междисциплинарным и попытаться осмыслить человека и его деятельность как бы со стороны, вне человеческой логики.
Полная версия всех докладов по ссылке
Студенческая онлайн-секция «Проектирование медиареальности: игровые миры, экранные форматы и коммуникационные стратегии» вновь подняла темы воздействия игр, а также комиксов и кино, на людей через сюрреализм, философию, лиминальность и хоррор-составляющие. Разговор модерировали Александра Першеева, Полина Лукина и Татьяна Фадеева.
Наконец, студсекция «Форма и идентичность: материальная культура от костюма до бренда» обратилась к борьбе «китча» и «консерватизма» в моде и образе женщины, а также указала на важность построения корпоративной идентичности для тех компаний, которые хотят быть привлекательными для соискателей. Модераторами выступили Евгения Орловская, Ольга Проходцева и Михаил Федоров.
Секция «Визуальный язык и графическая культура» и её модератор Антон Артемчук задали глобальный вопрос: как в графике — например, комиксе — автор может передать желаемое чувство или создать нужную атмосферу.
Интересным стало замечание о необходимости т. н. сенсорной депривации — намеренного упрощения картинки, чтобы лишить зрителя излишних раздражителей и сосредоточить внимание на главном.
Кроме того, сложно выделить «начало» комикса как жанра искусства: еще средневековые авторы прибегали к выстраиванию сетки изображений и «речевым баблам».
Обучение в Аспирантской школе по искусству и дизайну объединяет исследовательскую деятельность и практику в сфере социокультурного проектирования. Подготовка аспирантов проходит в очной форме на базе кампуса в Москве.
Параллельно проходила секция «Искусственный интеллект. Алгоритмическая креативность и трансформация художественного процесса». Секцию модерировал Вадим Булгаков.
Участники подняли вопросы о роли ИИ в искусстве, о вытеснении художника и о возможном отмирании фотографии как массового ремесла в силу развития нейросетей. Один из главных выводов, к которому удалось прийти: использование ИИ — не «читерство», а нормальное развитие творческого процесса, которое, как и всё новое, может восприниматься в штыки.
В качестве примера мы отметили, что для протестного артиста 21 века ИИ, вероятно, станет не просто инструментом, но и арт-менеджером, способным подчеркнуть его нонконформистский подход к творчеству, не говоря о значительном удешевлении процесса создания музыки и её продюсирования.
Со всеми рассмотренными кейсами применения ИИ в ближайшем будущем можно ознакомиться в записи секции.
В рамках секции «Саунд-дизайн и саунд-арт» (модераторы Ольга Зубова и Пётр Сковородников) мы обсудили возрастающую роль нарративного саунд-дизайна в современном постдраматическом театре и формирующемся постмузее.
Круглый стол «Архивный поворот: актуальные подходы к сохранению медиаискусства» указал на актуальные проблемы музейного дела, когда речь заходит о подчас хрупких или цифровых произведениях новой эпохи. Дискуссию организовала и модерировала Ольга Проходцева.
Сегодня создаются проекты по сохранению веб-арта и медиа-искусства в широком смысле, однако эти инициативы пока не носят глобального характера. В то же время, объекты в физических архивах устаревают, уникальные документы в лучшем случае остаются в частных коллекциях, до которых тяжело добраться.
Но и цифровые хранилища не являются универсальным решением: сотни тысяч фотографий и видео требуют существенных затрат для сохранения, поэтому некоторые произведения сознательно удаляются авторами и теряются навсегда.
Многообразие форм, интерактивность и недолговечность, а также чисто техническое устаревание — вот одновременно и ключевые особенности, и главные недостатки современного искусства с точки зрения музеев.
Второй день конференции завершился дискуссией «Почему парфюмерия не вошла в общепризнанный круг искусств?». Организатором и модератором разговора выступила Дарья Донина.
Ответить на этот нетривиальный вопрос оказалось непросто, ведь с самого начала XX века художники говорят о важности запахов, но дальше слов идут редко.
Первой причиной, по которой парфюмерия не считается «большим искусством» спикеры назвали проблему восприятия. В отличие от визуальных и аудио-произведений, человеку, особенно нетренированному, трудно считывать комплексные «послания» из запаха, и еще труднее описывать свои ощущения.
«Современное искусство работает скорее с запахом, нежели с ароматом: инсталляция зачастую должна вызывать соответствующие эмоции, а не просто приятно пахнуть».
Наше обоняние слабее зрения и слуха, поэтому и количество ольфакторных, то есть «обонятельных», выставок в общем незначительно — как следствие, развитие парфюмерии в этом направлении замедлено.
Дополнительной трудностью является зависимость посетителя выставки от мнения критика. Институт критики появляется тогда, когда возникает буржуа, у которого нет своего вкуса. В парфюмерии критика не просто есть — она давлеет над конечным потребителем, «объясняя» ему, какой запах он сейчас чувствует. Человек, не приученный к самостоятельности в восприятии ароматов, не способен воспринимать работы художников-парфюмеров без такого рода «поддержки».
ДЕНЬ ТРЕТИЙ
Третий и последний день Международной научной конференции прошёл в музее-заповеднике Царицыно. Он открылся кураторской экскурсией по выставке «Индия. Ткань времени» с Людмилой Алябьевой, после чего Людмила провела дискуссию «Мода в музее: проблемы сохранения и показа».
Рядовые вещи — считают спикеры — показывать гораздо сложнее, чем вещи, которые уже прошли выставку. В первую очередь потому, что для последних уже есть понимание, как их экспонировать, что с ними получается, а что нет.
Вызов для сотрудника музея — не только выбрать вещь для выставки, но и доказать зрителю, что эта вещь достойна его внимания.
«Не только музеи, но даже современные магазины все чаще хотят больше „музейности“ и меньше „магазинности“».
Говоря о музейном деле, нельзя не упомянуть незаслуженно редко упоминаемого специалиста — музейного хранителя. Он не просто следит за сохранностью предметов коллекции, но и выявляет их «биографию», особенности, взаимосвязи, проводит глубокую исследовательскую работу. Именно от него зависит, что сможет экспонировать куратор и в каком свете он представит ту или иную вещь.
От эффективности работы хранителя зависит и важнейший элемент создания модной выставки — качество межмузейного сотрудничества. Для некоторых выставок предметы собираются из 30 музеев по всей стране, не считая частных партнёров. Это значительно повышает разнообразие экспозиции, хотя, конечно, увеличивает затраты.
«Всегда хорошо, когда предметы коллекции не остаются в Москве, а расходятся по регионам. Это создает дополнительные точки притяжения, в которых сохраняется наследие».
Мы стоим на пороге времени, когда история моды будет включена в историю декоративно-прикладного искусства вообще — считают участники дискуссии. Если это произойдет, музейная система потребует изменений: новых пространств, подходов, правил хранения и обращения с экспонатами.
Только изучив прошлое моды можно сформировать её будущее, студенты должны погружаться в историю костюма и работу с архивами моды, чтобы создавать новое. Поэтому необходимо создать дублирующие архивы, в которых будут храниться вещи, доступные студентам, которые не столь жалко будет утратить. Но такие хранилища неизбежно придется выводить из-под контроля государства и его жестких законов.
Финальное событие третьего дня конференции — дискуссия «Коллекционирование моды: коллекция, архив, гардероб». Дискуссию модерировала Анастасия Полетаева, журналист, автор YouTube-шоу и telegram-канала о моде.
Беседа открылась тезисом: люди сегодня покупают ретро именно потому, что оно несет печать индивидуальности, истории. Надевая старую вещь, человек причащается прошлой эпохой, когда вещей было еще «не слишком много».
Впрочем, здесь мнения разошлись: ряд спикеров считает, что это вопрос эволюции отношения к моде. Мы все еще несем в себе представления о её «несерьёзности», хотя сами создаем посвящённые ей музеи, признавая тем самым за модой полноправное место среди декоративно-прикладного искусства.
«Интерес к винтажу связан с тем, что будущее перестало быть светлым, утопии кончились. Теперь мы можем повернуться только назад».
Если интерес к винтажу действительно связан с процессами в мире, он будет только расти, и «бабушкины вещи» в какой-то момент станут настоящими сокровищами, желанными для коллекционеров.
Спикеры также провели разграничительную линию между «собирателем» и коллекционером. Если первый приобретает вещи ради удовольствия, то для второго это становится целью, гештальтом, который будет мучать его, пока коллекция не завершена, пока не воссоединились все элементы «мысли дизайнера».
Отметили и достижения российских модных брендов: пускай пока их немного, но лучшие уже сегодня делают коллекции и создают модные дома на уровне, не уступающем мировому, используя как собственную ДНК, так и исторические костюмы.
«Если какой-то коллекционер выйдет в свет в кафтане Петра I, можно ли считать это святотатством? Или тряпки это всего лишь тряпки?».
Актуальным является вопрос, остается ли вещь предметом гардероба, побывав на витрине музея. Насколько далеко вглубь истории простирается понятие «ретро» и где оно переходит в «музейную ценность»? Спикеры пришли к выводу, что все зависит от точки зрения и единого ответа здесь быть не может.
Интересно, что не все эмоционально способны одеваться оригинально, не каждый осмелится надеть музейный экспонат. В тревожные времена людям хочется спокойной, одинаковой одежды, не требующей особой энергии от человека. И это нужно использовать, чтобы отвечать на вызовы времени и хотя бы немного улучшать настроение окружающих — подытожила модератор дискуссии.
Благодарим наших информационных партнеров за поддержку этого мероприятия:
*iBenji *multimedia world *Люди в Культуре | Вакансии *Научные журналы и базы данных (НЖБД) *Экологичные мероприятия *StudyGrants — стажировки| стипендии| летние школы *Коллаж де фромаж *ТОПДИЗАЙНМАГ | Интерьер Дизайн *РВИ — развитие видеоигровой индустрии *RADIO MODA *Женя, игры, etc… *Быть Инди (про игры) *Женя|AI-пайплайны и свои игры *Розмари Турман | How Fashion Works *Мемори и другие стадиз
Мероприятие прошло 9–11 апреля в пространстве Креативный хаб / HSE CREATIVE HUB и музее-заповеднике Царицыно. Подробнее об этом и других событиях, проходящих на площадке, можно узнать на сайте https://creative.hse.ru/hub.
